Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts

Aktualisiert am: 23/08/2024

Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts – Ein Überblick

Die Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts war musikalisch so facettenreich wie kein Jahrhundert zuvor. Neue technische Möglichkeiten, gesellschaftliche Umbrüche und weltweite kulturelle Einflüsse sorgten für eine enorme Vielfalt an Stilrichtungen und musikalischen Ausdrucksformen. Von den rhythmischen Klängen des Ragtime über die rebellische Energie des Punk bis hin zum digitalen Sound der elektronischen Musik – jede Dekade brachte eigene Strömungen hervor, die nicht nur die Musik, sondern auch die Mode, die Politik und die Jugendkultur prägten.

Die Musik dieses Jahrhunderts ist ein Spiegel ihrer Zeit: Jazz erzählt vom Aufbruch afroamerikanischer Kultur, Rock ’n’ Roll vom Freiheitsdrang der Jugend, während Hip-Hop und Techno neue urbane Identitäten schufen. Viele Stile entwickelten sich aus früheren Einflüssen und vermischten sich zu immer neuen Ausdrucksformen.

1900–1919: Aufbruch in eine neue Klangwelt

Die ersten beiden Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts markieren den Beginn einer musikalischen Zeitenwende. Während sich die europäische Klassik weiterentwickelte und in die Moderne überging – mit experimentellen Ansätzen, Atonalität und neuen Kompositionsformen –, entstand in den USA parallel eine völlig neue Musikrichtung: der Ragtime. Seine markanten Rhythmen gelten als Vorläufer des Jazz und spiegeln den Einfluss afroamerikanischer Musikkultur wider.

Zur selben Zeit entwickelte sich der Blues – zunächst als Ausdruck der Lebenserfahrung der Afroamerikaner im Süden der USA. Mit seinen einfachen Harmonien, seinem emotionalen Ausdruck und dem typischen Call-and-Response-Stil legte er den Grundstein für viele spätere Musikrichtungen.

Auch technisch gab es Neuerungen: Die Schallplatte begann, die Wachswalze langsam abzulösen, und es wurden erste kommerzielle Aufnahmen möglich. Dadurch veränderte sich nicht nur das Musikhören, sondern auch dessen Verbreitung. Diese Jahre gelten als Übergangszeit zwischen der traditionellen Kunstmusik des 19. Jahrhunderts und der Popularmusik.

1930–1939: Wandel, Instrumentalisierung und Innovationen

Die Musik der 1930er Jahre war stark von diesen Entwicklungen geprägt. In den USA erlebte der Jazz mit der Swing-Ära seinen Höhepunkt: Big Bands wie die von Benny Goodman oder Duke Ellington prägten das musikalische Bild. Parallel dazu entwickelte sich der Blues durch Künstler wie Robert Johnson weiter, während Gospel und Boogie-Woogie neue emotionale und rhythmische Akzente setzten.

Dank Mikrofon und Radio konnten Crooner wie Bing Crosby mit gefühlvollem Gesang große Popularität erlangen. Auch die Country-Musik fand über Radioshows ein breites Publikum und festigte ihren Platz in der US-amerikanischen Kultur. In Deutschland hingegen wurde Musik zunehmend von der NS-Ideologie beeinflusst. Jazz und moderne Strömungen wurden unterdrückt, während volkstümliche und militärische Klänge gefördert wurden. Viele Künstler*innen emigrierten, darunter auch jüdische Komponisten wie Kurt Weill.

Weltweit gewannen Musikstile wie das Chanson in Frankreich oder der Tango in Argentinien an Bedeutung. Trotz politischer Repression war es eine Zeit musikalischer Vielfalt, in der sich viele Genres entwickelten, die spätere Generationen maßgeblich beeinflussen sollten.