Jazz

Aktualisiert am: 01/06/2025

Was ist Jazz?

Jazz ist eine Musikrichtung, die Ende des 19. Jahrhunderts in den afroamerikanischen Gemeinden der Südstaaten der USA, insbesondere in New Orleans, entstand. Sie ist das Ergebnis einer Verschmelzung afrikanischer Rhythmen, europäischer Harmonien sowie amerikanischer Musiktraditionen wie Blues und Ragtime. Er zeichnet sich durch Improvisationsfreude, rhythmische Vielfalt und emotionale Ausdruckskraft aus. Jazz ist eine Musik des Augenblicks, bei der Musiker oft spontan neue Melodien und Variationen erschaffen.

Im Laufe des 20. Jahrhunderts entwickelte sich der Jazz ständig weiter und brachte zahlreiche Stilrichtungen hervor, von Swing und Bebop bis hin zu Fusion und modernen Crossover-Formen. Heute umfasst der Begriff „Jazz” auch viele Musikformen, die nur noch lose mit der afroamerikanischen Tradition verbunden sind. Mit seiner künstlerischen Tiefe gilt Jazz als das amerikanische Pendant zur europäischen klassischen Musik und hat zahlreiche andere Musikgenres beeinflusst.

Was bedeutet Jazz?

Der Begriff steht heute nicht nur für ein Musikgenre, sondern auch für ein Lebensgefühl, das von Spontaneität, Kreativität und Ausdruckskraft geprägt ist. Die Musik lebt von Improvisation, swingenden Rhythmen und einer besonderen emotionalen Tiefe. Typisch ist seine Offenheit: Jazzmusiker greifen Stimmungen auf, reagieren aufeinander und gestalten den Klang im Moment neu. Seit seiner Entstehung hat sich der Jazz ständig weiterentwickelt und viele Stilrichtungen hervorgebracht – von Swing über Bebop bis hin zu modernem Nu Jazz. Dabei bleibt eines konstant: der hohe Anspruch an Individualität, musikalische Freiheit und Kommunikation.

Woher kommt der Begriff „Jazz”?

Die Herkunft des Begriffs „Jazz“ ist bis heute nicht eindeutig geklärt, doch es gibt mehrere plausible Theorien. Eine weit verbreitete Annahme führt das Wort auf den amerikanischen Slangbegriff „jasm” zurück, der bereits um 1860 verwendet wurde und Begriffe wie „Energie”, „Lebenskraft” oder „Tatendrang” beschrieb. Diese Bedeutung passt hervorragend zur dynamischen und unberechenbaren Natur der Jazzmusik. Der Begriff „Jazz“ tauchte erstmals 1912 in einem Artikel der „Los Angeles Times“ auf. Ein Baseballspieler bezeichnete darin seinen besonders unvorhersehbaren Wurf als „Jazz ball“ – gemeint war ein energiegeladener, schwer kontrollierbarer Pitch.

Ab etwa 1915 wurde „Jazz“ dann zunehmend im musikalischen Kontext verwendet, erstmals nachweisbar in der Chicago Daily Tribune. Dabei war das Wort nicht nur musikalisch besetzt, sondern hatte in den frühen Jahrzehnten auch doppeldeutige, teilweise sexuelle Konnotationen im Slang. Einige Sprachforscher vermuten zudem afrikanische Wurzeln in Begriffen wie „jasi” oder „yas”, die mit Bewegung, Tanz und Erregung in Verbindung stehen, was den starken Einfluss westafrikanischer Musiktraditionen unterstreicht. Insgesamt spiegeln die vielen Bedeutungsfacetten des Wortes die Facetten- und Wandelbarkeit des Jazz wider.

Merkmale des Jazz – ein musikalisches Universum voller Freiheit und Tiefe

Jazz ist ein offenes, wandelbares Klangsystem, das durch kreative Freiheit, persönliche Ausdruckskraft und stilistische Vielfalt geprägt ist. Im Mittelpunkt stehen nicht feste Strukturen, sondern Improvisation, Interaktion und die individuelle Handschrift der Musiker.

Die Improvisation ist das zentrale Merkmal des Jazz. Sie geht auf mündliche Musiktraditionen Westafrikas zurück und erlaubt spontane Gestaltung statt notierter Reproduktion. Besonders bei Jazzstandards – etablierten Stücken mit bekannten Akkordfolgen – entsteht durch freie Interpretation jedes Mal ein neues musikalisches Ergebnis. So wird der Jazz zu einer lebendigen Kunstform des Moments.

Rhythmisch definiert sich Jazz durch seinen Swing, der ternäre Phrasierung anstelle gerader Achtel bevorzugt. Synkopierungen, Offbeats und polyrhythmische Muster erzeugen eine fließende, energetische Spannung, die sowohl komplex als auch körperlich mitreißend wirkt.

Ein weiteres zentrales Element sind die Blue Notes – leicht abgesenkte Terzen, Quinten oder Septimen –, die zwischen Melancholie und expressiver Intensität changieren. Sie stammen aus dem Blues und verleihen vielen Jazzstücken ihre emotionale Tiefe.

Die Harmonik des Jazz ist ein experimentelles Spielfeld. Musiker nutzen erweiterte Akkorde, modale Tonarten, ungewöhnliche Voicings, Substitutionen und sogar bitonale Strukturen. Diese harmonische Offenheit macht Jazz zu einer der klanglich vielschichtigsten Musikformen der Moderne.

Charakteristisch ist auch das Prinzip von „Call and Response“, bei dem sich musikalische Aussagen und Antworten abwechseln – ein Element afrikanischer Herkunft, das über Worksongs und Spirituals in den Jazz gelangte. Es steht für gelebte Kommunikation und spontane musikalische Dialoge.

Technisch verlangt Jazz ein hohes Maß an Fertigkeit und Klangbewusstsein. Instrumente werden oft jenseits konventioneller Spielweisen genutzt: Trompeten-Bendings, Ghost Notes, Multiphonics auf dem Saxophon oder perkussive Klangerzeugung gehören zum erweiterten Vokabular.

Besonders prägend ist die stilistische Offenheit des Genres. Von Swing, Bebop und Cool Jazz über Free Jazz bis zu Fusion und Nu Jazz – kaum eine Musikform integriert so viele kulturelle Einflüsse und bleibt dabei so wandlungsfähig. Viele moderne Strömungen zitieren bewusst frühere Stile und führen die Tradition fort.

Jazz ist keine lineare Stilgeschichte, sondern ein Netz aus Klangideen, ästhetischen Konzepten und individuellen Spielweisen. Jeder Musiker bringt seinen eigenen Ton, seine eigene Phrasierung, seine Perspektive ein. Dadurch wird Jazz zu einem offenen Denkraum – mutig, experimentell und voller persönlicher Ausdruckskraft.

Geschichte des Jazz - von New Orleans in die Welt

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts entwickelte sich im Süden der Vereinigten Staaten eine lebendige Straßenmusiktradition, die als Keimzelle des Jazz gilt. In Städten wie New Orleans traten sogenannte Brass Bands auf, das waren Blaskapellen, die sowohl aus schwarzen als auch weißen Musikern bestanden. Besonders die afroamerikanischen Gruppen verbanden europäische Marschmusik mit kreolischen Klängen und dem Blues.

Diese frühen „Marching Bands” gelten heute als Vorformen des Jazz, auch wenn ihnen sowohl improvisatorische Freiheit als auch der typische Swing fehlten. Dennoch war durch die Betonung der leichten Zählzeiten – zwei und vier – bereits eine rhythmische Vorahnung des späteren Jazz erkennbar. Der archaische Jazz dieser Zeit erlebte später eine Renaissance im Oldtime Jazz, der heute allerdings außerhalb von New Orleans hauptsächlich von weißen Musikern gepflegt wird.

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts entstand der Ragtime, ein zunächst rein schriftlich fixierter Klavierstil. Charakteristisch war dabei die „zerrissene“ Rhythmik – ein Wechselspiel aus gleichmäßigem Viertelbeat in der linken Hand und synkopischer Melodik in der rechten. Obwohl auch hier noch nicht improvisiert wurde, entstand durch die rhythmische Spannung erstmals ein Hauch von Swing. Der bekannteste Vertreter dieses Stils war Scott Joplin, dessen Komposition The Entertainer durch den Film Der Clou (1973) posthum weltweite Bekanntheit erlangte.

Ein entscheidender Schritt in Richtung Jazz war die Musik von Jelly Roll Morton, einem extravaganten Pianisten und Komponisten aus New Orleans. Morton spielte bereits um 1902 weniger streng gebundene, improvisierte Musik, die Elemente von Ragtime, Blues und Stomp vereinte. Auch wenn seine Behauptung, den Jazz erfunden zu haben, historisch umstritten ist, zählen seine Aufnahmen mit verschiedenen Bands in den 1920er-Jahren zu den ersten voll entwickelten Jazzproduktionen.

Ähnlich zweifelhaft ist die Selbstdarstellung von Nick LaRocca, der sich ebenfalls als „Erfinder des Jazz“ bezeichnete. Eine zentralere Figur für die tatsächliche Entwicklung des frühen Jazz war Buddy Bolden, ein charismatischer Kornettist, der zwischen 1900 und 1915 maßgeblichen Einfluss auf die musikalische Sprache in New Orleans nahm. Ihm wird zugeschrieben, durch seine ausdrucksstarke Spielweise die improvisatorische Freiheit des Jazz maßgeblich mitbegründet zu haben.

Obwohl New Orleans häufig als Geburtsort des Jazz genannt wird, lässt sich dessen Entstehung nicht exklusiv auf diese Stadt eingrenzen. Vielmehr war die Stadt ein kultureller Schmelztiegel, in dem verschiedenste musikalische Strömungen aufeinandertrafen – von afrikanischen Rhythmen über europäische Harmonik bis hin zu karibischen Einflüssen. Während einige Historiker argumentieren, der Jazz sei in New Orleans „geboren“ und später in Chicago oder New York „erwachsen“ geworden, belegen andere Quellen parallele Entwicklungen in Städten wie Memphis.

Ab etwa 1915 verließen die ersten bekannten Bands New Orleans, was maßgeblich zur Verbreitung des Jazz über die Stadtgrenzen hinaus beitrug. Bereits um 1910 traten Musiker in anderen US-Städten mit jazzverwandten Stilen auf. Mit der bewussten Selbstbezeichnung als „Jazzbands” signalisierten Gruppen wie Pedro Stacholy’s Cuban Jazzband in Havanna oder Tom Brown’s Band from Dixieland in Chicago ab etwa 1914 das Entstehen eines neuen musikalischen Selbstverständnisses. Auch das Black and Tan Orchestra trug dazu bei, die neue Musikrichtung national zu etablieren, als es 1915 mit dem Trompeter Buddy Petit nach Kalifornien reiste.

Mit der wachsenden Popularität des Jazz begann auch eine systematische Auseinandersetzung mit dieser Musikrichtung. In den 1920er- und 1930er-Jahren entstand zunächst eine Jazzkritik, aus der sich im Laufe der Jahrzehnte eine fundierte Jazzforschung entwickelte. Diese betrachtete Jazz nicht mehr nur als unterhaltende Tanzmusik, sondern als bedeutende kulturelle Ausdrucksform der afroamerikanischen Geschichte und Identität.

Durch diese wissenschaftliche Reflexion gewann der Jazz auch außerhalb der afroamerikanischen Community an Anerkennung. Dies bereitete den Boden für eine breitere gesellschaftliche Wertschätzung jener stilistischen Entwicklungen, die ab den 1940er-Jahren unter Begriffen wie Bebop und Modern Jazz deutlich vom populären Mainstream abwichen.

Im Laufe der Zeit entwickelte die Jazzkritik eine Art stilistische Chronologie, die das Genre in scheinbar aufeinanderfolgende Epochen gliederte: vom New Orleans Jazz über Chicago Jazz, Swing, Bebop, Cool Jazz und Hard Bop bis hin zu Free Jazz und Fusion. Doch diese Kategorisierungen, so hilfreich sie zur Orientierung auch sind, erfassen kaum die tatsächliche Komplexität und Vielschichtigkeit der Jazzentwicklung.

Besonders ab den 1970er-Jahren brach die stilistische Linie zunehmend auf. Die Vielfalt der Ausdrucksformen nahm stark zu, ebenso wie die Meinungen darüber, welche Entwicklungen als „fortschrittlich” oder „maßgeblich” zu betrachten sind. Neben den etablierten Strömungen entstanden neue Labels wie „Modal Jazz” oder „Latin Jazz”, die sowohl ältere als auch zeitgenössische Musik mit frischem Blick einordneten.

Heute gilt: Eine einheitliche, allgemein akzeptierte Darstellung der Jazzgeschichte ist kaum noch möglich. Selbst Musiker, Kritiker und Forscher hinterfragen die gängigen Einteilungen, auch wenn diese aus pragmatischen Gründen nach wie vor zur Orientierung dienen. Letztlich bleibt der Jazz ein offenes, lebendiges System – ein Spiegel wechselnder kultureller, politischer und individueller Erfahrungen –, das sich jeder festen Definition entzieht.

Jazzmusik in Deutschland – Historische Entwicklung und kulturelle Bedeutung

Die Jazzmusik fand in den 1920er Jahren ihren Weg nach Deutschland als Folge intensiver kultureller Einflüsse aus den USA, insbesondere im Zuge der wachsenden internationalen Austauschprozesse nach dem Ersten Weltkrieg. In Berlin, dem kulturellen Zentrum der Weimarer Republik, entwickelte sich eine lebendige Szene, in der amerikanischer Jazz auf große Resonanz stieß. Zahlreiche sogenannte „Tanzkapellen” spielten jazzinspirierte Stücke, die vor allem das junge Publikum in die Tanzsäle lockten. Die improvisatorische Freiheit und rhythmische Dynamik des Jazz symbolisierten für viele den Aufbruch in eine moderne, weltoffene Gesellschaft.

Mit dem Machtantritt der Nationalsozialisten im Jahr 1933 änderte sich die Situation jedoch radikal: Jazz galt fortan als „entartete Musik“, da er afroamerikanische Wurzeln hatte und somit dem rassistischen Weltbild der NS-Ideologie widersprach. Öffentliche Aufführungen wurden unterdrückt oder verboten, Tonträger beschlagnahmt und viele Musiker verfolgt oder zur Emigration gezwungen. Einige von ihnen fanden in den USA ein neues künstlerisches Zuhause und trugen dort zur internationalen Ausbreitung des Jazz bei.

Nach dem Zweiten Weltkrieg erlebte der Jazz in Deutschland eine Renaissance. Dabei spielten die amerikanischen Besatzungstruppen eine zentrale Rolle, da sie mit ihren Radiosendern und Clubs den Jazz wieder in die Öffentlichkeit zurückbrachten. In den 1950er Jahren erlebte die deutsche Jazzszene einen deutlichen Aufschwung: In Metropolen wie Berlin, Hamburg, Frankfurt oder Köln öffneten Jazzclubs, und internationale Größen wie Louis Armstrong, Duke Ellington oder Ella Fitzgerald gastierten regelmäßig in Deutschland. Gleichzeitig entwickelte sich eine eigenständige Szene talentierter deutscher Jazzmusiker.

In der Folgezeit verankerte sich der Jazz fest in der deutschen Musikkultur. Er wurde nicht nur in spezialisierten Clubs und auf Festivals gefeiert, sondern auch in Fernsehformaten und Bühnenkunst integriert, etwa durch Künstler wie Helge Schneider, der Jazz humorvoll mit Kabarett und Improvisation verband. Heute ist Jazz in Deutschland eine lebendige und vielfältige Kunstform, die sowohl in traditionellen als auch in experimentellen Spielarten gepflegt wird. Mit renommierten Festivals wie dem Jazzfest Berlin, dem Moers Festival oder dem Elbjazz in Hamburg sowie einer aktiven Szene aus Musikhochschulen, Clubs und Labels bleibt Deutschland ein bedeutendes Zentrum für Jazz in Europa.

Instrumente des Jazz

Im Jazz kommt eine Vielzahl von Instrumenten zum Einsatz, deren Auswahl je nach Stilrichtung und Epoche variiert. Zu den zentralen Instrumenten gehören:

Saxophone: Sie sind in verschiedenen Größen wie Alt-, Tenor-, Sopran- und Baritonsaxophon erhältlich und prägend für den Jazz. Berühmte Saxophonisten sind Charlie Parker, John Coltrane und Sonny Rollins.
Trompeten: Mit ihrem durchdringenden Klang sind sie seit den Anfängen des Jazz präsent. Ikonen wie Louis Armstrong und Miles Davis haben das Instrument maßgeblich geprägt.
Posaunen: Sie ergänzen die Blechbläsersektion und sind besonders in Big Bands von Bedeutung.
Klarinetten: Vor allem im frühen Jazz und Swing waren sie zentral, mit Musikern wie Benny Goodman und Sidney Bechet.
Klavier: Es bietet harmonische Unterstützung und wird oft auch als Soloinstrument eingesetzt. Herausragende Vertreter sind Pianisten wie Thelonious Monk und Bill Evans.
Gitarre: Sowohl akustisch als auch elektrisch wird sie für Rhythmus und Soli genutzt. Bekannte Jazzgitarristen sind Wes Montgomery und Django Reinhardt.
Kontrabass: Er bildet das rhythmische Fundament und ist in nahezu allen Jazzensembles präsent.
Schlagzeug: Es sorgt für den rhythmischen Puls und die Dynamik. Zu den Größen dieses Instruments zählen Art Blakey und Max Roach.
Vibraphon: Ein metallophonisches Instrument, das besonders im Modern Jazz eingesetzt wird. Milt Jackson war ein bedeutender Vibraphonist.
Mundharmonika: Zwar seltener, aber durch Musiker wie Toots Thielemans im Jazz etabliert.